Οι 32 καλύτερες ταινίες της δεκαετίας του ’60

Ό,τι κι αν νομίζετε ότι ήταν ή έμοιαζε η δεκαετία του 1960, ξανασκεφτείτε το. Η ταραχώδης δεκαετία είναι πολύπλευρη με όλους τους τρόπους, συμπεριλαμβανομένων των ταινιών. Αλλά ποιες ταινίες της δεκαετίας του 1960 είναι στην πραγματικότητα οι καλύτερες;

Σε μια δεκαετία που χαρακτηρίστηκε από την αλλαγή των κοινωνικών προτύπων, για να μην αναφέρουμε το κίνημα για τα πολιτικά δικαιώματα και το πολιτικό τέλμα που ήταν το Βιετνάμ, οι ταινίες της δεκαετίας του 1960 αντανακλούσαν ομοίως μια παγκόσμια κοινότητα σε εξέλιξη. Οι πρωτοποριακές ξένες εισαγωγές από την Ιαπωνία, την Ιταλία, τη Γαλλία και αλλού αποσπούσαν την προσοχή από τα δοκιμασμένα αμερικανικά στυλ. Παράλληλα, οι κινηματογραφιστές έβλεπαν την τέχνη τους να αψηφάται από μια νέα, φθηνότερη εναλλακτική λύση ψυχαγωγίας: την τηλεόραση. Ωστόσο, αντί να προσφέρουν ένα υψηλότερο επίπεδο θεάματος από αυτό που μπορούσαν να προσφέρουν οι μικροσκοπικοί προϋπολογισμοί της τηλεόρασης, οι ταινίες της δεκαετίας προσπάθησαν να προκαλέσουν το κοινό με πιο ανατρεπτικές ιστορίες που επαναπροσδιόριζαν τα όρια του αποδεκτού.

Όπως και η δεκαετία του 1950 πριν από αυτήν, η δεκαετία του 1960 προέβλεψε τις ηθικές ασάφειες του κοντινού μέλλοντος. Καθώς ο παρωχημένος κώδικας Hays έχανε τη μέγγενη του, η ξαφνική έκρηξη του Νέου Χόλιγουντ -που είχε ήδη αποκλειστεί από το γαλλικό Νέο Κύμα- έδωσε στους κινηματογραφιστές περισσότερη δημιουργική συγγραφική δυνατότητα, επιτρέποντάς τους να αντανακλούν στις ταινίες τους μια μοντέρνα αντικουλτούρα που διείσδυε στις πόλεις, τα κοινόβια και τις πανεπιστημιουπόλεις παντού.

Με τόσες πολλές κλασικές ταινίες για να αναφέρουμε, εδώ είναι μόνο 32 από τις καλύτερες ταινίες της δεκαετίας του 1960.

32. Batman (1966) #

(Πίστωση εικόνας: Warner Bros.)

Ιερός κινηματογράφος, Μπάτμαν! Αρχικά σχεδιασμένη από τον παραγωγό William Dozier απλώς για να προωθήσει την τηλεοπτική σειρά, η ταινία Batman του 1966 (σκηνοθεσία Leslie H. Martinson) αντιπροσωπεύει πλέον την τέχνη του camp σε όλο της το εξωφρενικό μεγαλείο. Με πρωταγωνιστή τον Άνταμ Γουέστ στο ρόλο που τον έκανε διάσημο, ο Σταυροφόρος με την Κάπα δίνει τη μάχη ενάντια στους πιο μοχθηρούς κακοποιούς της Γκόθαμ Σίτι που έχουν συνασπιστεί ως Ενωμένος Υπόκοσμος. Αν και δεν είναι σε καμία περίπτωση η καλύτερη ταινία υπερηρώων που γυρίστηκε ποτέ, η σύνοψη της διάσημης τηλεοπτικής σειράς – όλα μεγεθυμένα για τη μεγάλη οθόνη – κάνει τον Μπάτμαν μια από τις πιο πολύχρωμες, πιο εξωφρενικές και, μάλιστα, πιο διασκεδαστικές εμπορικές ταινίες μιας απαιτητικής δεκαετίας. Πραγματικά, υπάρχουν κάποιες μέρες που δεν μπορείς να απαλλαγείς από μια βόμβα.

31. Barbarella (1968) #

(Πίστωση εικόνας: Paramount Pictures)

Μια καλτ ταινία της υψηλότερης τάξης, η Jane Fonda πρωταγωνιστεί σε ένα διαμάντι επιστημονικής φαντασίας της κατηγορίας B, η γοητεία του οποίου έγκειται στο γεγονός ότι, λοιπόν, έχει την Jane Fonda να είναι μια εντελώς σέξι στο διάστημα. (Και το Barbarella είναι τόσο γνήσια αξιοθέατο λόγω του ζήλου της Fonda να παίζει με τα πάντα). Βασισμένη στη γαλλική σειρά κόμικς, η ταινία ακολουθεί την Barbarella (Fonda), μια διαστημική ταξιδιώτισσα που στέλνεται να βρει έναν επιστήμονα με ένα όπλο ικανό να εξαφανίσει την ανθρωπότητα. Αφού αστέρες όπως η Μπριζίτ Μπαρντό και η Σοφία Λόρεν απέρριψαν τον ρόλο, η Φόντα δίστασε λόγω της σεξουαλικής φύσης της ταινίας- εκείνη την εποχή, η Φόντα βρισκόταν στο επίκεντρο δύο σκανδάλων γυμνού που αφορούσαν τις ταινίες Circle of Love και The Game Is Over. Όμως η Φόντα πείστηκε όταν της είπε ο σκηνοθέτης Ρότζερ Βαντίμ ότι η επιστημονική φαντασία θα είναι σύντομα ένα είδος με κύρος. Με τον Πόλεμο των Άστρων να απέχει ακόμα εννέα χρόνια, ο Vadim είχε λίγο πολύ δίκιο, ακόμα κι αν το Barbarella δεν είναι τόσο μεγάλο franchise σήμερα.

30. Οι ομπρέλες του Χερβούργου (1964) #

(Πίστωση εικόνας: 20th Century Studios)

Στο αξέχαστο ρομαντικό sung-through μιούζικαλ του Jacques Demy, ένα νεαρό ζευγάρι Γάλλων ανυπομονεί να ξεκινήσει το “για πάντα”, μέχρι που τους χωρίζει ο πόλεμος της Αλγερίας. Όταν αναπόφευκτα ξανασυναντιούνται, οι ψυχρές θερμοκρασίες αποκαλύπτουν ένα κάποτε θερμό πάθος που έχει παγώσει. Η Catherine Deneuve και ο Nino Castelnuovo συμπρωταγωνιστούν ως ένα γοητευτικό ζευγάρι στην οθόνη που αντιπροσωπεύει την παγκόσμια συγκίνηση του να είσαι νέος και ερωτευμένος, την τραγωδία του να βρίσκεις την αγάπη πολύ νωρίς και την πικρή αποδοχή ότι η ζωή δεν θα εξελίσσεται πάντα όπως την σχεδιάζεις. Από τις ταινίες που συνθέτουν τη ρομαντική τριλογία του Demy -συμπεριλαμβανομένων των ταινιών Lola (1961) και Τα νεαρά κορίτσια του Rochefort (1967)- οι Ομπρέλες του Χερβούργου στέκονται ψηλότερα ως η ταινία που είναι πιο αληθινή στο γλυκόπικρο εφήμερο του νεανικού έρωτα.

29. Onibaba (1964) #

(Πίστωση εικόνας: Toho)

Είναι μια ταινία τόσο τρομακτική που τρόμαξε ακόμα και τον William Friedkin, τον σκηνοθέτη του Εξορκιστή. Μια αναδιήγηση μιας βουδιστικής παραβολής που αφορά μια καταραμένη μάσκα που τιμωρεί όσους τη φορούν, το Onibaba ακολουθεί δύο γυναίκες που παρασύρουν περιπλανώμενους σαμουράι για να τους σκοτώσουν και να πουλήσουν τον οπλισμό τους για χρήματα. Όταν ένας άντρας μπαίνει ανάμεσά τους, αρχαία συναισθήματα όπως ο φθόνος και η οργή στροβιλίζονται σαν τους ανέμους μιας σκοτεινής ανίερης καταιγίδας. Μια μακάβρια εικόνα με υπέρτατη γηγετική ενέργεια, αυτή η περίτεχνη μεταφορά για τα υπολειμματικά τραύματα της Ιαπωνίας από τις ατομικές βόμβες αποκτά επιπλέον νόημα όταν γνωρίζετε ότι ο σεναριογράφος/σκηνοθέτης Kaneto Shindō καταγόταν από τη Χιροσίμα. Το Onibaba ήταν μία από τις πολλές ταινίες του Shindō που καταπιάστηκε με τη φρίκη της πυρηνικής καταστροφής και τη δική του προσωπική πραγματικότητα, βλέποντας το σπίτι του να ισοπεδώνεται και τους επιζώντες του να μένουν με ανεξίτηλα τραύματα.

28. Easy Rider (1969) #

(Πίστωση εικόνας: Columbia Pictures)

Το αμερικανικό Νέο Κύμα ξεκίνησε με φουλ γκάζι με το Easy Rider, ένα σύγχρονο γουέστερν αν υπήρξε ποτέ. Σε σκηνοθεσία του Ντένις Χόπερ και σε σενάριο του Χόπερ με τους Πίτερ Φόντα και Τέρι Σάουθερν, το Easy Rider ακολουθεί δύο μοτοσικλετιστές (τους οποίους υποδύονται ο Χόπερ και ο Φόντα) που ξεκινούν από τον αμερικανικό Νότο και επιχειρούν προς τα δυτικά με χρήματα που κερδίζουν από μια επικερδή συμφωνία κοκαΐνης. Ένα έπος ορόσημο της αντικουλτούρας, το Easy Rider διαμόρφωσε από μόνο του το συλλογικό μας λεξιλόγιο για τον ανοιχτό δρόμο ως το τελευταίο σύνορο της περιπέτειας και το μόνο μέρος που έχει απομείνει στη Γη για να βρει κανείς την αίσθηση της ταυτότητας και της ελευθερίας.

27. Το διαμέρισμα (1960) #

(Πίστωση εικόνας: United Artists)

Μακάρι οι τοίχοι να μπορούσαν να μιλήσουν. Στην ρομαντική κωμωδία The Apartment του Billy Wilder το 1960, ο Jack Lemmon υποδύεται έναν φιλόδοξο υπάλληλο ασφαλιστικής εταιρείας, ο οποίος, με την ελπίδα να ανέβει στον εργασιακό του χώρο, επιτρέπει στους ανώτερους συναδέλφους του να χρησιμοποιούν το διαμέρισμά του στο Upper West Side για τις εξωσυζυγικές τους σχέσεις. Τα πράγματα περιπλέκονται όταν ο Bud του Lemmon ερωτεύεται τη Fran (Shirley MacLaine), η οποία έχει σχέση με το ίδιο το αφεντικό του Bud. Εμπνευσμένο χαλαρά από τη βρετανική ταινία Brief Encounter του 1945 και ένα πραγματικό σκάνδαλο του Χόλιγουντ που αφορούσε τη σχέση ενός παραγωγού που συνέβη έξω από το διαμέρισμα του υπαλλήλου του, το The Apartment είναι μια απολαυστική κωμωδία για το ότι δεν πρέπει ποτέ να είσαι πολύ κοντά στη δράση.

26. To Kill a Mockingbird (1962) #

(Πίστωση εικόνας: Universal Pictures)

Το σημαντικό μυθιστόρημα της Harper Lee από το 1960, για μια δικηγόρο με αρχές που υπερασπίζεται έναν αθώο μαύρο άνδρα που κατηγορείται για σεξουαλική επίθεση, μεταφέρθηκε αριστοτεχνικά στην οθόνη δύο χρόνια αργότερα από τον σκηνοθέτη Robert Mulligan. Με πρωταγωνιστές τον Gregory Peck στον ρόλο του Atticus Finch και τη Mary Badham στον ρόλο της νεαρής κόρης του Scout -η οπτική γωνία της οποίας αποτελεί την κύρια οπτική γωνία της ιστορίας- η κινηματογραφική εκδοχή του Mulligan έχει κερδίσει την αναγνώριση ως αμερικανικό κλασικό έργο από μόνη της, καθώς αποτελεί μια τρυφερή και συγκλονιστική μελέτη της ενηλικίωσης σε ένα περιβάλλον προκατάληψης. Μέσα από τον αξέχαστο μονόλογο υπεράσπισης του Φιντς (με την κάμερα του Μάλιγκαν να παίρνει σοφά την οπτική γωνία των ενόρκων), το “To Kill a Mockingbird” έχει δώσει σε αμέτρητες γενιές μια διδαχή για το πώς να υπερασπίζονται το σωστό, ακόμη και όταν η δικαιοσύνη είναι ανεπαρκής.

25. Η νύχτα των ζωντανών νεκρών (1968) #

(Πίστωση εικόνας: Criterion)

Πριν από το The Walking Dead, υπήρχε το Night of the Living Dead του George Romero, το οποίο όχι μόνο εισήγαγε τα ζόμπι στο λεξικό της αμερικανικής ποπ κουλτούρας, αλλά αναμφισβήτητα έκανε το είδος καλύτερο. Στην αγροτική Πενσυλβάνια, επτά επιζώντες κρύβονται σε μια αγροικία, καθώς ορδές σαρκοφάγων πτωμάτων έχουν ξαφνικά ζωντανέψει παντού. Το Night of the Living Dead όχι μόνο έγραψε το εγχειρίδιο για όλες τις ιστορίες τρόμου με ζόμπι, αλλά η επιλογή του μαύρου ηθοποιού Duane Jones (ως πρωταγωνιστής Ben) ήταν επαναστατική και ταυτόχρονα έντονα πολιτική, μετατρέποντας για πάντα τα ζόμπι σε μια δυναμική και ρευστή μεταφορά για ό,τι ο άνθρωπος θεωρεί τερατώδες στο σπαρακτικό twist end.

24. Ο πλανήτης των πιθήκων (1968) #

(Πίστωση εικόνας: 20th Century Studios)

Βασισμένη χαλαρά στο μυθιστόρημα του Pierre Boulle από το 1963, η κινηματογραφική εκδοχή του Franklin J. Schaffner “Ο πλανήτης των πιθήκων” έχει ως πρωταγωνιστή τον Charlton Heston ως αστροναύτη που προσγειώνεται σε έναν παράξενο πλανήτη όπου η ανθρωπότητα είναι πρωτόγονη και οι ομιλούντες πίθηκοι έχουν αναλάβει την κυριαρχία ως το πιο ευφυές είδος. Ενώ ο Πλανήτης των πιθήκων δημιούργησε ένα franchise, η πρωτότυπη ταινία του Σάφνερ είναι ένα πανύψηλο έργο επιστημονικής φαντασίας που είναι τόσο τεχνικά εντυπωσιακό όσο και πνευματικά προφητικό. Τόσα χρόνια μετά, ο Πλανήτης των Πιθήκων εξακολουθεί να αποτελεί μια ισχυρή προειδοποίηση ενάντια στην αλαζονική στάση της ανθρωπότητας απέναντι στη θέση της στην τροφική αλυσίδα.

23. Ο Μαντζουριανός υποψήφιος (1962) #

(Πίστωση εικόνας: United Artists)

Βασισμένο στο μυθιστόρημα του Richard Condon, αυτό το σκοτεινό ψυχολογικό θρίλερ του John Frankenheimer είναι μια από τις καθοριστικές ταινίες του Ψυχρού Πολέμου που εκμεταλλεύτηκε την κυρίαρχη παράνοια της εποχής για τους εχθρούς που καραδοκούσαν εκ των έσω. Η ταινία που κυκλοφόρησε μόλις ένα χρόνο πριν από τη δολοφονία του JFK, ακολουθεί έναν βετεράνο του πολέμου της Κορέας, τον Raymond Shaw (Laurence Harvey), ο οποίος εν αγνοία του υφίσταται πλύση εγκεφάλου από κομμουνιστές και στέλνεται πίσω στις Ηνωμένες Πολιτείες για να σκοτώσει έναν υποψήφιο πρόεδρο. Με πρωταγωνιστές τους Frank Sinatra, Janet Leigh και Angela Lansbury, η άφθονη πολιτικολογία και συνωμοσία αυτού του διαμορφωτικού κατασκοπευτικού θρίλερ έθεσε μόνιμα τον πήχη για όλα τα κατασκοπευτικά θρίλερ που ακολούθησαν. Οι καινοτομίες του στο είδος εξακολουθούν να παρατηρούνται σε σύγχρονες ομοειδείς ταινίες, από το The Bourne Identity μέχρι το Captain America: The Winter Soldier. Ένα εξίσου τρομερό σύγχρονο ριμέικ κυκλοφόρησε το 2004, με πρωταγωνιστές τους Denzel Washington, Liev Schrieber και Meryl Streep.

22. Ξυπόλητοι στο πάρκο (1967) #

(Πίστωση εικόνας: Paramount Pictures)

Η Jane Fonda και ο Robert Redford δεν ήταν ποτέ πιο αστείοι και καυτοί από ό,τι ως νιόπαντρο ζευγάρι που κατεβαίνει από την ευδαιμονία του μήνα του μέλιτος για να αντιμετωπίσει την αίσθηση του χιούμορ της πραγματικότητας. Αφού μετακομίσουν σε ένα πεντάστερο διαμέρισμα στο Μανχάταν, η ελεύθερο πνεύμα Κόρι (μια παραληρηματική Φόντα) και ο κάπως πιο σφιγμένος Πολ (Ρέντφορντ, που διαθέτει κοφτερό κωμικό συγχρονισμό) μαθαίνουν τι πραγματικά σημαίνει να έχεις και να κρατάς, όταν οι πρώτοι μήνες της κοινής τους ζωής δεν είναι αυτό που φανταζόταν κανένας από τους δύο. Αν και η πλοκή είναι ελαφριά σαν πούπουλο, η ταινία – βασισμένη στο θεατρικό έργο του Νιλ Σάιμον και σκηνοθετημένη από τον Τζιν Σακς – αντέχει χάρη στο ακτινοβόλο χάρισμα του όμορφου καστ της.

21. Mary Poppins (1964) #

(Πίστωση εικόνας: Disney)

Μια από τις μεγαλύτερες επιτυχίες της Disney εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1960, με την Julie Andrews και τον Dick Van Dyke να χορεύουν και να τραγουδούν για τις αρετές μιας πιο αφοσιωμένης οικογενειακής ζωής. Στο Εδουαρδιανό Λονδίνο, μια μαγική γυναίκα πετάει από τον ουρανό για να απαντήσει στο κάλεσμα των παιδιών του Μπανκς για την “Τέλεια Νταντά”. Είναι η Μαίρη Πόπινς (Άντριους), μια άκρως μυστηριώδης οντότητα που είναι ταυτόχρονα ευγενική και αυστηρή, και ακριβώς η κουταλιά ζάχαρη που χρειάζεται η οικογένεια Μπανκς για να ξαναγίνει ολόκληρη. Τεχνικά εκθαμβωτική και κατά βάθος υγιής, η Μαίρη Πόπινς αποτελεί μια από τις πιο εμβληματικές και επιτυχημένες ταινίες ζωντανής δράσης της Disney, και για καλό λόγο. Τι άλλο μπορεί να πει κανείς εκτός από το: “Υπερκαλλιεργητική, υπερπολυτελής, υπερπολυτελής”!

20. Tokyo Drifter (1966) #

(Πίστωση εικόνας: Nikkatsu)

Ο φόρος τιμής του Seijun Suzuki στα γουέστερν των πιστολέρο έρχεται με τη μορφή της απίστευτα κομψής γκανγκστερικής ταινίας Tokyo Drifter, για έναν αναμορφωμένο εκτελεστή ονόματι Tetsu (Tesuya Watari) που βρίσκεται στη μέση αντίπαλων συμμοριών που προσπαθούν να εδραιώσουν την εξουσία. Ο Suzuki, γνωστός για το εκκεντρικό οπτικό του στυλ, αναγκάστηκε αρχικά από το στούντιο να μετριάσει τις ευαισθησίες του στην οθόνη- το στούντιο του έδωσε έναν μικρό προϋπολογισμό για να βεβαιωθεί ότι ο Suzuki θα χρωματίσει μέσα στις γραμμές τους. Σε αντίποινα, ο Suzuki άντλησε έμπνευση από τις μουσικές ταινίες της δεκαετίας του 1950, την παράλογη κωμωδία και την αναδυόμενη σκηνή της ποπ αρτ για να δημιουργήσει την πιο σουρεαλιστική του ταινία μέχρι τότε. Αυτή η φιλοσοφία της εξέγερσης-ως-δήλωσης διαρρέει μέσα από τους πόρους του Tokyo Drifter, ο συγκρατημένος μαξιμαλισμός του που περιέχεται στα καρέ του δημιουργεί μια εμπειρία όπου δεν μπορείς να ξεχάσεις πώς νιώθεις, ακόμα κι αν δεν μπορείς να καταλάβεις τι συμβαίνει.

19. Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969) #

(Πίστωση εικόνας: 20th Century Studios)

Στο κλασικό γουέστερν του Τζορτζ Ρόι Χιλ, σε σενάριο του Γουίλιαμ Γκόλντμαν, συμπρωταγωνιστούν οι Πολ Νιούμαν και Ρόμπερτ Ρέντφορντ ως οι πιο cool και ανέγγιχτοι παράνομοι του κινηματογράφου στην απελπισμένη τους απόδραση στη Βολιβία. Θα επιβιώσουν; Η απάντηση σε αυτό είναι λιγότερο ενδιαφέρουσα από το πλούσιο, καθηλωτικό ταξίδι που ξεκινούν σε όλη τη διάρκεια της ταινίας ο Μπουτς Κάσιντι (Νιούμαν) και ο Χάρι Λόνγκαμπο, γνωστός και ως “Sundance Kid” (Ρέντφορντ), όντας συνέταιροι στο έγκλημα που ο στενός δεσμός τους καθιστά τους προστάτες της αδελφοσύνης και του bromance. Αν και αντιδημοφιλές στην κυκλοφορία του, το Butch Cassidy and the Sundance Kid έχει κερδίσει την εκτίμηση ως μια ταινία που μαρτυρά ότι η μεγαλύτερη ανταμοιβή δεν είναι τα πλούτη που διαφεύγουν, αλλά οι εμπειρίες που μπορείς να συλλέξεις με εκείνους που έχουν μεγαλύτερη σημασία.

18. A Hard Day’s Night (1964) #

(Πίστωση εικόνας: United Artists)

Όλα τα μουσικά βίντεο, τα ντοκιμαντέρ για ροκ σταρ, οι ταινίες συναυλιών και τα ρολά του TikTok οφείλουν χρέος στο A Hard Day’s Night. Ένα καλειδοσκόπιο κωμωδίας και μουσικής, η ταινία του Richard Lester, γεμάτη από γρήγορα κοψίματα και υστερίες με το χέρι, αποτυπώνει τους Beatles στην κορύφωση της Beatlemania. Αλλά αντί να είναι ένα επιεικές, αυτοσαρκαστικό ντοκιμαντέρ για το δράμα και την κούραση που προκαλεί η φήμη, το A Hard Day’s Night βλέπει τους ροκάδες του Λίβερπουλ να προκαλούν φασαρία όπου κι αν πάνε – χωρίς να υπάρχει ούτε μια πραγματική ιστορία. Από το να τρολάρει τους συνεντευκτές με ρουτίνες που μοιάζουν με τους Marx Brothers μέχρι το να ξεφεύγει από τους ουρλιάζοντες οπαδούς που κινούνται σαν σμήνη σφηκών, το A Hard Day’s Night είναι λιγότερο Taylor Swift: The Eras Tour και περισσότερο Γαλλικό Νέο Κύμα στην ελεύθερη αταξία και την εφευρετικότητά του.

17. Τα πουλιά (1963) #

(Πίστωση εικόνας: Universal Pictures)

Μετά τον Άλφρεντ Χίτσκοκ, δεν ξαναείδαμε τα σμήνη των πουλιών με τον ίδιο τρόπο. Σε αυτή την εμβληματική ταινία τρόμου του 1963, βασισμένη σε ένα διήγημα του 1952 της Daphne du Maurier και χαλαρά εμπνευσμένη από μια φρικιαστική μαζική επίθεση πουλιών στην πόλη Capitola της Καλιφόρνια δύο χρόνια νωρίτερα, επιθετικά πουλιά τρομοκρατούν τους κατοίκους μιας νυσταγμένης πόλης. Αν και τα δολοφονικά κοράκια και τα περιστέρια μπορεί να ακούγονται τετριμμένα στα χαρτιά, ένας κυρίαρχος του κινηματογράφου όπως ο Χίτσκοκ παραδίδει ένα κλασσικό θρίλερ με κρύα πέτρα, στο οποίο η φύση εξακολουθεί να διατηρεί την κυριαρχία της, ανεξάρτητα από την επιστημονική πρόοδο της ανθρωπότητας. Μεταξύ της αριστοτεχνικής χρήσης της σιωπής και της δεξιοτεχνίας των πρώιμων ειδικών εφέ, τα Πουλιά δεν θα σταματήσουν ποτέ να απογειώνουν την πτήση – και να μας κάνουν να τρέχουμε να κρυφτούμε.

16. The Graduate (1967) #

(Πίστωση εικόνας: Embassy Pictures)

Η ρομαντική δραμεντί του Μάικ Νίκολς, μια πρώιμη επιτυχία ανεξάρτητων ταινιών, αποτύπωσε με δεξιοτεχνία το ανήσυχο πνεύμα της νεολαίας της δεκαετίας του ’60 στην ιστορία της για έναν απόφοιτο κολεγίου (Ντάστιν Χόφμαν) που ξεκινάει σχέση με μια ηλικιωμένη γυναίκα (Αν Μπάνκροφτ), ενώ ερωτεύεται την κόρη της Ελέιν (Κάθριν Ρος). Το να καταφέρει να πετύχει το αξέχαστο τέλος της, στο οποίο τα δύο πιτσουνάκια συνειδητοποιούν σιγά σιγά το συντριπτικό μέγεθος των πράξεών τους, ήταν μια μεγαλοφυΐα από την πλευρά του Νίκολς. Με το να μην λέει απλά στους ηθοποιούς του τι πρέπει να κάνουν μετά την επιβίβασή τους στο λεωφορείο, η σωματική τους κόπωση αντικατοπτρίζει την πνευματική αμφιθυμία. Καθώς τόσο ο Χόφμαν όσο και ο Ρος παύουν να χαμογελούν κατά τη διάρκεια μιας αινιγματικά μεγάλης λήψης, οι κουραστικές εκφράσεις τους αποκαλύπτουν την αβεβαιότητα των χαρακτήρων τους για το αν η αγάπη είναι αρκετά δυνατή για να διαρκέσει.

15. Cool Hand Luke (1967) #

(Πίστωση εικόνας: Warner Bros.)

Μία από τις πολλές εμβληματικές αμερικανικές ταινίες που αντιπροσωπεύουν την αντίσταση της αντικουλτούρας κατά τη διάρκεια του πολέμου του Βιετνάμ, το Cool Hand Luke του σκηνοθέτη Stuart Rosenberg με πρωταγωνιστή τον Paul Newman στο ρόλο ενός φυλακισμένου από τη Φλόριντα που αρνείται να αφήσει τις αλυσίδες του να τον κρατήσουν κάτω. Το σενάριο της ταινίας υπογράφει ο Donn Pearce, του οποίου το δικό του εγκληματικό παρελθόν και τα δύο χρόνια στις αλυσοδεμένες συμμορίες του Τμήματος Σωφρονιστικών Καταστημάτων της Φλόριντα ενέπνευσαν τόσο το μυθιστόρημά του όσο και την ταινία. Εμπνευσμένο και συγκλονιστικό, το Cool Hand Luke είναι ουσιαστικά ένα εκπαιδευτικό βίντεο για το πώς να διατηρείς την ψυχραιμία σου και να ξεγελάς όλους τους άλλους σε ένα εχθρικό μέρος που θέλει να σε δει να πέφτεις νεκρός.

14. The Good, the Bad and the Ugly (1966) #

(Πίστωση εικόνας: MGM)

Ο Σέρτζιο Λεόνε πέρασε τη δεκαετία του ’60 καθορίζοντας τα ιταλικής κατασκευής γουέστερν με την τριλογία του Dollars, η οποία ακολουθεί τα νομαδικά κατορθώματα του Άνδρα χωρίς όνομα (Κλιντ Ίστγουντ). Στην τελευταία ταινία μετά το A Fistful of Dollars (1964) και το For a Few Dollars More (1965), η ταινία του Leone ακολουθεί τρεις πιστολέρο – τους οποίους υποδύονται ο Eastwood, ο Eli Wallach και ο Lee Van Cleef – που τρέχουν να βρουν θαμμένο χρυσό της Συνομοσπονδίας κατά τη διάρκεια του Αμερικανικού Εμφυλίου Πολέμου. Αν και οι προσωπικές απόψεις ποικίλλουν σχετικά με το ποια από τις τρεις ταινίες της τριλογίας είναι η καλύτερη, το The Good, the Bad and the Ugly είναι απλά πολύ επικό για να το αγνοήσει κανείς και παραμένει αναμφισβήτητα το πιο εμβληματικό από όλα τα γουέστερν σπαγγέτι. Μεταξύ της αξέχαστης κινηματογράφησης και της οπερατικής βίας, οι κινηματογραφιστές δράσης έχουν περάσει δεκαετίες εμπνεόμενοι από το διαχρονικό αριστούργημα του Λεόνε.

13. Το μωρό της Ρόζμαρι (1968) #

(Πίστωση εικόνας: Paramount Pictures)

Είναι μια παρήγορη παρηγοριά το γεγονός ότι δεν βλέπεις ποτέ το πρόσωπο του μωρού. Στην ψυχολογική ταινία τρόμου του Roman Polanski, η Mia Farrow υποδύεται μια νεαρή σύζυγο στο Μανχάταν που υποψιάζεται ότι μπορεί να γίνει στόχος των γειτόνων της για να γεννήσει κάτι ανίερο. Η ταινία του Polanski -στην οποία πρωταγωνιστούν επίσης οι John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans και Charles Grodin στο κινηματογραφικό του ντεμπούτο- είναι ένα καυστικό και εξαιρετικά σκοτεινό θρίλερ για την απώλεια της εξουσίας μιας γυναίκας (θλιβερά ειρωνικό από τον Polanski) και για το πώς η πορεία της κοινωνίας του 20ού αιώνα προς την εκκοσμίκευση μπορεί να είναι η καταστροφή της ανθρωπότητας. Το “Μωρό της Ρόζμαρι” ήταν ακριβώς μπροστά από την καμπύλη, καθώς η υστερία για τις σατανιστικές αιρέσεις θα έπαιρνε γρήγορα κυρίαρχη θέση στα πρωτοσέλιδα των εφημερίδων σε όλη τη δεκαετία του 1970 και του 1980.

12. Ο Λόρενς της Αραβίας (1962) #

(Πίστωση εικόνας: Columbia Pictures)

Μπορεί η ζωή κάποιου να είναι τόσο επική, ώστε να γίνει μια από τις μεγαλύτερες ταινίες περιπέτειας που γυρίστηκαν ποτέ; Ο Βρετανός αρχαιολόγος, αξιωματικός του στρατού και συγγραφέας του 20ού αιώνα T. E. Lawrence έζησε προφανώς μια τέτοια ζωή που έγινε ο Λόρενς της Αραβίας του David Lean. Με πρωταγωνιστή τον Peter O’Toole, ο οποίος εκείνη την εποχή ήταν άγνωστος ηθοποιός αλλά ήταν συμπαθής στον Lean (από την ταινία του 1960 Η μέρα που λήστεψαν την τράπεζα της Αγγλίας), η ταινία ακολουθεί τον Λόρενς σε όλη την Οθωμανική Αυτοκρατορία κατά τη διάρκεια του Α’ Παγκοσμίου Πολέμου. Η ίδια η ταινία διερευνά τη δυσκολία του Λόρενς να συμφιλιωθεί με τη βία και τη διχασμένη του πίστη μεταξύ της Βρετανίας και των νεοαποκτηθέντων συμμάχων του εντός των αραβικών δυνάμεων. Ένα θεαματικό μπλοκμπάστερ σε μια εποχή που δεν έκανε πολλές τέτοιες ταινίες, ο Λόρενς της Αραβίας καλπάζει με αγριότητα και μια αίσθηση περιπέτειας που δεν θα δούμε μέχρι τους Κυνηγούς της χαμένης κιβωτού σχεδόν 20 χρόνια αργότερα.

11. Ψηλά και χαμηλά (1963) #

(Πίστωση εικόνας: Toho)

Ο Ακίρα Κουροσάβα είναι, για καλό λόγο, γνωστός ως σκηνοθέτης των αιώνιων σαμουράι επών. Αλλά ακόμα και όταν κάνει ζαγκ από τα δικά του ζιγκ, ο διάσημος καλλιτέχνης διατηρεί όλα τα καλύτερα χαρακτηριστικά του, όπως τη θεατρική του τυπικότητα και τους ισχυρογνώμονες χαρακτήρες που συγκρούονται με καταπιεστικές δυνάμεις. Ελάτε: High and Low, το προωθητικό, λεπτοδουλεμένο αστυνομικό δράμα του Κουροσάβα από το 1963. Βασισμένο στο μυθιστόρημα King’s Ransom του Ed McBain, ένα πλούσιο στέλεχος (Toshiro Mifune) μαθαίνει ότι ο γιος του έχει απαχθεί και κρατείται για λύτρα, ξεκινώντας μια ιδρωμένη, προωθητική πλοκή όπου ο χρόνος είναι το ζητούμενο. Αντικαθιστώντας την πανοπλία των σαμουράι με τραγανά πουκάμισα και γραβάτες, ο Κουροσάβα αναστοχάζεται την μεταπολεμική αναγέννηση της Ιαπωνίας. Γύρω του, ο σκηνοθέτης είδε την ιαπωνική κοινωνία να εξελίσσεται ραγδαία προς τη νεωτερικότητα. Αλλά με ποιο κόστος;

10. Από τη Ρωσία με αγάπη (1963) #

(Πίστωση εικόνας: United Artists)

Ένα σίκουελ του Τζέιμς Μποντ που ξεπερνάει ακόμα και τον τόσο σημαντικό προκάτοχό του Dr. No, ο σκηνοθέτης Τέρενς Γιανγκ και ο ηθοποιός Σον Κόνερι επανενώνονται για το From Russia With Love, αυτή τη φορά για να αφηγηθούν μια ιστορία του Μποντ που βοηθάει μια όμορφη Σοβιετική αποστάτρια (Ντανιέλα Μπιάνκι) να ξεφύγει από τα νύχια της SPECTRE. Με τον σπουδαιότερο κατάσκοπο της MI6 να βυθίζεται στις εντάσεις του Ψυχρού Πολέμου, το From Russia With Love διατηρεί σπάνιο αέρα ως ένα από τα καλύτερα σίκουελ Μποντ που έγιναν ποτέ, όντας ταυτόχρονα ένα σκληρό, σέξι και συναρπαστικό μπλοκμπάστερ. Βοηθάει επίσης το γεγονός ότι η ταινία υπογραμμίζεται από ένα από τα σπουδαιότερα τραγούδια Bond όλων των εποχών, τραγουδισμένο από τον κροίσο Matt Monro.

9. Pierrot le Fou (1965) #

(Πίστωση εικόνας: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))

Ο Jean-Luc Godard πέρασε τη δεκαετία του 1960 διεκδικώντας τη θέση του στο γαλλικό Νέο Κύμα μέσα από ταινίες όπως το Breathless (1960), το Vivre sa vie (1962) και το Band of Outsiders (1964). Αλλά η μέγιστη φόρμα του Γκοντάρ ήρθε το 1965 με το Pierrot le Fou, ένα ζωντανό και πολύχρωμο πειραματικό road movie για έναν άντρα (Jean-Paul Belmondo) που το σκάει με την μπέιμπι σίτερ του παιδιού του και την πρώην ερωμένη του (Anna Karina) για να αφήσουν πίσω τους τον μπουζουκοκρατούμενο κόσμο τους. Ένα ποπ αρτ μνημείο που ξεχειλίζει από αισθησιασμό, καταδικασμένο ρομαντισμό και τα συντρίμμια ενός κατεδαφισμένου τέταρτου τοίχου, το Pierrot le Fou δεν πιστοποίησε απλώς την ιδιότητα του Γκοντάρ ως δημιουργού, αλλά την επιχρύσωσε.

8. Πρωινό στο Τίφανις (1961) #

(Πίστωση εικόνας: Paramount Pictures)

Η Audrey Hepburn δεν εδραίωσε απλώς τη διασημότητά της με το Breakfast at Tiffany’s του σκηνοθέτη Blake Edwards, αλλά εγγυήθηκε την αθανασία της. Σε αυτή τη γιγαντιαία ρομαντική κωμωδία, η Hepburn υποδύεται τη Holly Golightly, μια εκκεντρική κοσμική κυρία που ερωτεύεται έναν αγωνιζόμενο συγγραφέα (George Peppard). Πέρα από τη ρατσιστική απεικόνιση ενός Ιάπωνα γείτονα από τον Μίκι Ρούνεϊ, το Breakfast at Tiffany’s είναι αναβράζον και κομψό, μια ταινία που παίρνει τον έρωτα της καρδιάς σας και τον ντύνει μοντέρνα. Η εμφάνιση της Hepburn ως Holly παραμένει πανταχού παρούσα ως σύμβολο διαχρονικής ομορφιάς, και είναι δύσκολο να αμφισβητήσει κανείς το γιατί. Μια ματιά της στο φακό της κάμερας του Edwards και όλοι μας είμαστε με το κεφάλι πάνω από τα πανάκριβα τακούνια.

7. La Dolce Vita (1960) #

(Πίστωση εικόνας: Columbia Pictures)

Το όνομα του Φρεντερίκο Φελίνι είναι συνώνυμο του καλού ιταλικού κινηματογράφου, και το La Dolce Vita στέκεται ως μία από τις πιο διαχρονικές επιτυχίες του. Η ταινία ακολουθεί έναν δημοσιογράφο διασημοτήτων (τον οποίο υποδύεται ο εξαιρετικά cool Marcello Mastroianni, που αποπνέει κομψότητα σε κάθε καρέ), ο οποίος περνάει μια πυρετώδη εβδομάδα περιπλανώμενος στη Ρώμη – μια αρχαία πόλη που κατακλύζεται από λάμψη και γοητεία – αναζητώντας κάτι αγνό. Διαθέτοντας μια μοναδική δομή πλοκής και καυστικό χιούμορ, το La Dolce Vita απολαμβάνει την παρακμή ενός ευημερούντος μεταπολεμικού πολιτισμού, ενώ παράλληλα προφητεύει τη δηλητηρίαση της κοινωνίας από τις τοξικότητες της φήμης.

6. The Wild Bunch (1969) #

(Πίστωση εικόνας: Warner Bros.)

Ο Sam Peckinpah έδωσε στο γουέστερν το τελευταίο του “ζήτω” με το The Wild Bunch, μια ταινία για γερασμένους παράνομους που πασχίζουν να προσαρμοστούν στον εκσυγχρονιστικό 20ό αιώνα και να φύγουν με τη δόξα τους. Αν και τα γουέστερν δεν έχουν εκλείψει εντελώς, από τη δεκαετία του 1960 το είδος είχε πέσει πολύ έξω από την προτίμηση και έκτοτε δεν έχει ανακτήσει ποτέ αυτή τη δημοτικότητα. Αυτό κάνει τον βομβαρδισμό από κρότους μπαρουτιού και εξοστρακισμούς σφαιρών που υπογραμμίζουν το εκρηκτικό φινάλε του Πέκινπα στο Agua Verde να μοιάζει με πυροτέχνημα που τιμά τους αμέτρητους ήρωες με λευκό καπέλο και τους απατεώνες με μαύρο καπέλο που κόσμησαν την ασημένια οθόνη από την αρχή του Χόλιγουντ. Μετά το The Wild Bunch, οι ταινίες γουέστερν έφυγαν προς το ηλιοβασίλεμα και δεν κοίταξαν ποτέ πίσω.

5. 8 ½ (1963) #

(Πίστωση εικόνας: Columbia Pictures)

Ο Ιταλός σκηνοθέτης Φρεντερίκο Φελίνι έστρεψε, ως γνωστόν, την κάμερά του στον εαυτό του, κατά κάποιο τρόπο, στην ταινία του για τους αγώνες της διατήρησης της συγγραφικής ιδιότητας και της ατομικότητας σε έναν τομέα που υπόκειται σε δημόσιο έλεγχο. Στην όγδοη ταινία του Fellini (εξ ου και ο τίτλος), ο ηθοποιός Marcello Mastroianni πρωταγωνιστεί ως Guido Anselmi, ένας σκηνοθέτης που προσπαθεί απεγνωσμένα να διατηρήσει την ταυτότητά του μέσα από την αυστηρή, αυτοδιαβρωτική διαδικασία της διεύθυνσης μιας ταινίας επιστημονικής φαντασίας μεγάλου προϋπολογισμού. Όλο αυτό το διάστημα, ο Γκουίντο σκέφτεται τις διάφορες γυναίκες στη ζωή του. Μια σουρεαλιστική μετα-μαύρη κωμωδία που θολώνει τις γραμμές που οριοθετούν το kayfabe, το 8 ½ θεωρείται δικαίως μια από τις σπουδαιότερες ταινίες για τη δημιουργία ταινιών που γυρίστηκαν ποτέ.

4. West Side Story (1961) #

(Πίστωση εικόνας: United Artists)

Πώς λύνεις ένα πρόβλημα όπως η Μαρία; Σε αυτό το εκσυγχρονισμένο Romeo & Juliet που διαδραματίζεται στις ρατσιστικές συμμορίες του δρόμου της Νέας Υόρκης, η Natalie Wood και ο Richard Beymer υποδύονται ερωτευμένους εραστές που ερωτεύονται ενώ στέκονται στις αντίθετες πλευρές ενός πολέμου εδάφους. Η πρωτότυπη εκδοχή του 1961 – σε σκηνοθεσία Robert Wise και Jerome Robbins – αντιμετωπίζει με τόλμη την οθόνη σαν σκηνή, με πολύπλοκες χορογραφίες, ζωηρές χρωματικές παλέτες και δυναμική κίνηση της κάμερας, που επηρέασε τους Michael Bay (ο οποίος εξήρε την ταινία σε συνέντευξή του στους New York Times το 2001) και Steven Spielberg, ο οποίος σκηνοθέτησε το δικό του remake το 2021. Όταν βλέπεις το West Side Story, γίνεσαι θαυμαστής για μια ζωή, από το πρώτο σου τσιγάρο μέχρι την τελευταία μέρα που πεθαίνεις.

3. Μάτια χωρίς πρόσωπο (1960) #

(Πίστωση εικόνας: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)

Αν και η θεμελιώδης ταινία τρόμου “Μάτια χωρίς πρόσωπο” του Georges Franju το 1960 είναι προγενέστερη της πλειονότητας των ταινιών slasher, η συγκλονιστική ιστορία της και η άγρια βία της έθεσαν τα πρότυπα που κράτησαν αργότερα δάσκαλοι του είδους όπως ο John Carpenter και ο Wes Craven. Ακόμα κι έτσι, το Μάτια Χωρίς Πρόσωπο δεν μοιάζει με καμία ταινία τρόμου που έχετε δει, καθώς είναι τόσο ποιητικό όσο και φρικιαστικό. Η ταινία ακολουθεί έναν διάσημο πλαστικό χειρουργό (τον υποδύεται ο Pierre Brasseur) που παγιδεύει όμορφες νεαρές γυναίκες για να χαράξει τη σάρκα τους και να διορθώσει την τραγική παραμόρφωση της κόρης του. Η Édith Scob πρωταγωνιστεί επίσης στο ρόλο της κόρης του γιατρού, η οποία φοράει μια λευκή μάσκα-φάντασμα που μοιάζει με προμήνυμα μελλοντικών εικόνων όπως ο Michael Myers και ο Jason Voorhees. Εδώ, το πανέμορφο και το φρικιαστικό γίνονται απίθανοι συγκρατούμενοι.

2. 2001: Οδύσσεια του Διαστήματος (1968) #

(Πίστωση εικόνας: MGM)

Καμία ταινία δεν ορίζει τη δεκαετία του 1960 και όμως εξακολουθεί να μοιάζει εκτός εποχής όπως το 2001: Μια Οδύσσεια του Διαστήματος του Stanley Kubrick. Μετά από δύο μέγα-κλασικές ταινίες, τη “Λολίτα” (1962) και τον “Δρ. Στραντζελοβ” (1964), ο Κιούμπρικ ατένισε τα αστέρια με ένα μεγαλοπρεπές έπος επιστημονικής φαντασίας που διασκευάζει το διήγημα του Άρθουρ Κ. Κλαρκ “Ο Φρουρός”. Το εύρος του 2001 είναι τεράστιο, καθώς πρόκειται για μια ταινία που καλύπτει κυριολεκτικά αιώνες από τις απαρχές των πρωτευόντων θηλαστικών της ανθρωπότητας μέχρι, όπως προβλέπει ο Κιούμπρικ, την εξέλιξή μας ως διαστημικό είδος. Όσο μακριά κι αν μας πάει όμως η πρόοδος, ο άνθρωπος εξακολουθεί να υπόκειται σε ανεξήγητη βία. Και έτσι, στο ταξίδι του Discovery One προς τον Δία, η τεχνητή νοημοσύνη HAL 9000 έχει κάποιες δικές της ιδέες για την επιβίωση από ό,τι θα ήθελαν οι αφέντες της με τα κρέατα. Όμορφα συνθετημένο και δυσοίωνο με μια απόκοσμη έννοια, το 2001: Μια Οδύσσεια του Διαστήματος έκανε άλμα στον κινηματογράφο προς τα εμπρός με ένα άγγιγμα ενός μαύρου μονόλιθου.

2001: Μια Οδύσσεια του Διαστήματος£7.99στο Amazon£8.19στο Hit£9.69στο Hive Books

1. Psycho (1960) #

(Πίστωση εικόνας: Paramount Pictures)

Με την πανέμορφη Τζάνετ Λι, ένα μπουκάλι σιρόπι σοκολάτας Hershey’s και ένα παλλόμενο ολόφρεσκο κομμάτι του Μπέρναρντ Χέρμαν, ο Άλφρεντ Χίτσκοκ σφυρηλάτησε ένα κινηματογραφικό αριστούργημα που κοίταξε βαθιά στην ψυχή μας και ανέσυρε αυτό που μας τρομοκρατούσε όλους. Γεμάτη με κόκκινες ρέγγες, μαύρη κωμική ειρωνεία και πυκνούς συμβολισμούς που θα μπορούσαν να γεμίσουν μια διάλεξη φροϋδικής ψυχανάλυσης, η πιο αναγνωρίσιμη ταινία του Χίτσκοκ παραμένει ως ένας επιβλητικός γίγαντας που επαναπροσδιόρισε την αποδοχή του εμπορικού κινηματογράφου για το γούστο και καινοτόμησε τις συμβάσεις της σύγχρονης ταινίας τρόμου. Βασισμένη στο ομώνυμο βιβλίο του Ρόμπερτ Μπλοχ, η ιστορία διαδραματίζεται κυρίως στο απόκοσμο μοτέλ Μπέιτς, που εποπτεύεται από τον εκκεντρικό ιδιοκτήτη του Νόρμαν Μπέιτς (Άντονι Πέρκινς), ο οποίος κρύβει ένα σκοτεινό μυστικό. Αν και το Ψυχώ όπως είναι λογικό δημιούργησε ένα franchise που περιλαμβάνει τη δημοφιλή τηλεοπτική σειρά Bates Motel, το Ψυχώ στέκεται δυναμικά από μόνο του ως μια ταινία που άλλαξε τα πάντα.